Urban sketching

Thomas Thorspecken
Urban sketching
Guía completa de técnicas de dibujo urbano
Gustavo Gili, 2014

Cieto es que el Urban sketching se está convirtiendo en un fenómeno cada vez más utilizado por aquella gente, cada vez más numerosa, que gusta de viajar y tomar registro personal, dibujando y escribiendo, de aquella que está observando a su alrededor.
Quizá el término lleva un poco a confusión, habida cuenta del Urban art y de todas las demás manifestaciones artísticas y/o reivindicativas que pueblan las paredes de las calles, que están tan presentes en nuestro entorno más inmediato. En este caso no se trata de pintar paredes o de expresar nuestras inquietudes con grafitis u otras formas de comunicar ideas u ocurrencias, sino de un movimiento creativo que se propone contar la realidad cotidiana en primera persona a través del dibujo, celebrar la diversidad de las miradas y compartirlas con los demás. Podríamos decir que se trata de diarios o agendas personales ilustradas o, en algunos casos, de verdaderos libros de artista.
Hacer todo esto es más sencillo de lo que parece, a tenor de las sugerencias que nos propone su autor: solo se necesita papel, lápiz y decisión (y, claro está, un poco de habilidad artística, aunque cada manifestación personal tiene su propio valor, tanto íntimo como documental).

En este libro Thomas Thorspecken aborda desde algunos principios básicos del dibujo hasta cuestiones específicas de la crónica urbana ilustrada, analiza las técnicas y recursos expresivos de numerosos ilustradores, diseñadores y artistas gráficos y proporciona infinidad de trucos y consejos para adentrarse en el universo del dibujo urbano. Los urban sketchers son unos auténticos reporteros visuales que combinan una gran capacidad de observación, la habilidad para dar con el detalle adecuado, y su diestro manejo de los materiales y técnicas de dibujo.
Thomas Thorspecken estudió ilustración en la School of Visual Arts de Nueva York y ha trabajado en Walt Disney Feature Animation. En su blog Analog Artist Digital World comparte diariamente sus dibujos con la comunidad de los urban sketchers.

J.H.

Los Ríos de Alice

Los Ríos de Alice
Vetusta Morla / Delirium Studios / Pequeño Salto Mortal

El videojuego Los Ríos de Alice ganó ayer el premio a la Mejor banda sonora y el premio a la Mejor dirección artística que anualmente otorga la Academia de las Artes y las Ciencias Interactivas en la feria de ocio interactivo Gamelab. Los Ríos de Alice es una aventura gráfica para dispositivos móviles basada en el imaginario de las letras y la música de Vetusta Morla, desarrollada por Delirium Studios y coproducida por este estudio y el sello de la banda, Pequeño Salto Mortal.
La banda sonora fue compuesta y grabada ex-profeso por el grupo, de tal manera que, junto al universo gráfico creado por la ilustradora Ane Pikaza, el juego propone una inmersión sensorial y una experiencia audiovisual interactiva.
Arturo Monedero, director creativo de Delirium Studios, y Juanma Latorre, miembro de la banda madrileña, recibieron los galardones que se entregaron en una ceremonia celebrada en la Filmoteca de Cataluña de Barcelona, en el transcurso de Gamelab, que este año alcanza su décima edición y que se ha consolidado como uno de los principales eventos europeos y mundiales en el ámbito de la formación y el desarrollo de oportunidades en este sector.
Vetusta Morla inspiró con sus letras y su música el universo de acertijos y personajes que Delirium Studios han creado para Los Ríos Alice. Cada vez que Alice se queda dormida, entra en un mundo de fantasía en el que el jugador deberá ayudarla a enfrentarse a sus miedos: la Pereza, la Envidia, la Mentira… Un juego para jugar sin prisas y disfrutar de las bellas imágenes realizadas en acuarela, tinta y grafito por la artista Ane Pikaza.

Se trata de una aventura gráfica que cuenta con una gran cantidad de personajes y puzles distribuidos en más de quince pantallas. En total, más de 1.500 dibujos repletos de arte para dar vida al universo de Alice. Un videojuego destinado a los amantes de las aventuras gráficas, la buena música y el arte, creado con el corazón y a contracorriente de la industria en el que cada pequeño detalle esta cuidado con un obsesivo mimo.
Los catorce cortes que forman la banda sonora mezclan las canciones que Vetusta Morla creó para la ocasión con los ambientes y pasajes musicales que adornan el universo en el que Alice, su protagonista, se adentra cada vez que se queda dormida. Un universo plagado de referencias y guiños a la discografía del grupo y que ha sido grabado y producido por ellos mismos con la colaboración de Barrunto Bellota Band. Una vez más, Manuel Colmenero se ha encargado de las mezclas y masterización en los estudios Sonobox de Madrid.
El disco comienza con Los Ríos de Alice, una nana que dio origen al videojuego y que formaba parte del proyecto benéfico Super Nanas, y culmina, a modo de recompensa para aquellos que llegan al final de la aventura gráfica, con Los Buenos, una de las canciones más aclamas de la banda y que hasta ahora no se había editado. Entre estos dos temas, hay canciones y pasajes sonoros que están a caballo entre lo acústico y lo instrumental, con voces susurradas o cantando en un idioma de los sueños, ideado por el grupo. En total son catorce composiciones con las que sumergirse en el viaje de Alice a través de sus sueños.
Puedes conseguir más info de la banda sonora y del videojuego en www.losriosdealice.com, www.deliriumstudios.com y www.vetustamorla.com
Puedes ver el trailer de Los Ríos de Alice pinchando aquí.
Puedes ver el GamePlay de Los Ríos de Alice pinchando aquí.
Puedes ver el Making of de Los Ríos de Alice pinchando aquí.

Crulic, camino al más allá

Anca Damian
Crulic, camino al más allá
2011 / Aquelarre-Cameo

El cine de animación ha tenido grandes escuelas en Europa del Este, en Polonia, las antiguas Checoslovaquia, la desaparecida Unión Soviética... Sin embargo, Rumanía llevaba más de dos décadas sin realizar ninguna cinta de cine animado, quizá debido a la larga transición y dura crisis que siguió a la revolución que derrocó al dictador Nicolae Ceaușescu (1918-1989).
El actual auge creativo y en festivales del cine de este país, recién integrado con plenos derechos en la Unión Europea, está permitiendo descubrir una manera de contar poco habitual, pausada, meditativa, con cierto gusto por el quietismo y una seca y a veces dura mirada hacia los problemas sociales (que siguen siendo muchos). En este dudoso club de la Europa depauperada, Rumanía sigue estando en el furgón de cola en cuanto a desarrollo y, sobre todo, en relación a unas administraciones que participan de manera aún deficiente para promover el bienestar de sus ciudadanos.
El caso de Crulic, camino al más allá, como digo, la primera película de animación en 20 años, está basado en un hecho real y tiene mucho que ver con lo que decía anteriormente. Se trata de la historia de Claudio Crulic (1975-2008), un rumano que a los 33 años viajó a Polonia en busca de trabajo o,quizá, huyendo de la apàtía de su país. Allí, en una desafortunada concatenación de circunstancias, fue detenido erróneamente acusado de robo, juzgado por ello y condenado a prisión. Sabiendo de su inocencia, Crulic escribió repetidas veces a su embajada solicitando amparo y defensa, pero esta hizo caso omiso de la petición y, en vista de ese silencio y como protesta, Crulic emprendió una huelga de hambre que, finalmente, le llevó a la muerte.

Este caso, real, transcendió a los medios de comunicación y provocó un escándalo mayúsculo en Rumanía y en las relaciones institucionales de este país con Polonia. La cinta narra un acontecmiento que, no perdiéndose en el olvido, servirá para agitar conciencias y, quizá, remover algunos cimientos de las anquilosadas estructuras burocráticas y administrativas del país de origen del protagonista.
Al margen de la denncia social que contiene esta película semidocumental, la realización técnica es sobresaliente. Su directora, Anca Damian, ha utilizado múltiples procedimientos de animación para llevarla a cabo: animación clásica mezclándola con el stop-motion, el collage fotográfico, los recortes de imágenes reales... Un alarde de montaje y de yuxtaposición de plásticas que imprimen un carácter árido y, a la vez, melancólico a esta magnífica película que, para muchos, sigue la estela de la premiada Vals con Bashir (Ari Folman, 2008), otra cinta de animación sobre la masacre de Sabra y Chatila en Palestina, pero que, por la realización llevada a cabo por Anca Damian, va mucho más allá y se convierte en una verdadera obra de arte.
Puedes ver el trailer de Crulic, camino al más allá pinchando aquí.

Javier Herrero

Abel Sánchez

Retrato de Miguel de Unamuno (1904-05) de Ramón Casas 

(en el Museu Nacional D'Art de Catalunya)

Miguel de Unamuno
Abel Sánchez
Alianza Editorial / El Libro de Bolsillo, edición 2014

Una novela de pasión, es el subtítulo que le puso Miguel de Unamuno (1864-1936) a su difícil novela Abel Sánchez, publicada en 1919 por el escritor bilbaino. Y digo difícil por el tema que trata en ella, la envidia, la disección “quirúrgica” de el que es considerado el pecado más característico de los españoles. Unamuno narra la historia de dos amigos a lo largo de toda una vida, Abel Sánchez, apreciado, exitoso, artista, expansivo... y de Julián, su amigo íntimo de la infancia, estudioso, introspectivo, trágico y profundamente celoso de los avatares vitales de Abel, al que termina considerando fuente de todas sus desgracias.
Se trata, como bien dice el subtítulo, de una verdadera pasión que trastoca una vida, algo así como si fuera una trasposición narrativa del mito bíblico de Caín y Abel. Para enfatizar el drama, Unamuno utiliza su fina e irónica narrativa poniendo de paso en evidencia muchos de las injusticias que el drama clásico tiene y que, por ello, se convierten en arquetipos de esos comportamientos de nuestra sociedad a los que acabamos denominando envidiosos.
Como apunta en el prólogo el poeta, narrador y ensayista salmantino Luciano González Egido, fue una novela a la que Unamuno le costó sacar adelante y que no le reportó demasiadas alegrías, pues fue recibida muy friamente en su publicación, quizá, visto todo ello con el paso del tiempo, porque Unamuno logra con ella poner el dedo en la llaga y la herida escuece de tal manera que no es fácil reconocer que una sociedad sufre de los males retratados. Sin embargo, hoy día es una obra admirada por su fina prosa, por la elegancia con la que plantea la vida y aconteceres de los protagonistas, por ese tratamiento casi de doctor con el que analiza la envidia como mal que corroe el interior de las personas. Una obra maestra, pequeña en extensión, sí, pero de gran amplitud en cuanto a lo que en ella se trata y sobre todo, en cuanto a cómo se narra, con una peculiar y muy interesante narración doble. Por un lado, la del narrador-escritor, Unamuno, que cuenta la vida de los personajes y, por otro, la de las confesiones de Julián, a modo de larga epístola, que cuenta sus sentimientos más íntimos al respecto de su relación con ese Abel casi bíblico que le acompaña durante toda su vida.

Javier Herrero

Pancho Villa toma Zacatecas

Paco Ignacio Taibo II / Eko
Pancho Villa toma Zacatecas
Sexto Piso, 2013

El 23 de junio de 1914 (el próximo año se cumplirá un siglo del suceso), en la rica ciudad de Zacatecas, con yacimientos de plata y el cruce más importantes de las líneas de ferrocarril de México, el general rebelde Francisco Villa (1878-1923), conocido como Pancho Villa, logró tomar al asalto la ciudad arrebatándosela a las fuerzas militares del entonces presidente Victoriano Huerta (1850-1916). Este acontecimiento tuvo un altísimo coste en vidas humanas en las fuerzas invasoras, pero supuso un aldabonazo en su avance hacia la capital del país, donde se consumaría la victoria revolucionaria que transformaría México menos de un mes después, el 14 de julio.
La Toma de Zacatecas fue ena batalla que ha calado hondo en la cultura popular hasta el punto de que existe un corrido anónimo muy conocido que habla precisamente de este momento histórico, titulado precisamente La toma de Zacatecas (ver vídeo pinchando aquí), de las que unas estrofas dicen lo siguiente:

«Las calles de Zacatecas de muertos entapizadas, lo mismo estaban los cerros por el fuego de granada. ¡Ay, hermoso Zacatecas, mira cómo te han dejado! la causa fue el viejo Huerta y tanto rico allegado. Ahora sí, borracho Huerta, harás las patas más chuecas al saber que Pancho Villa ha tomado a Zacatecas. Ya con ésta ahí me despido, con la flor de una violeta, por la División del Norte fue tomado Zacatecas»

Precisamente de la toma de Zacatecas por las fuerzas lideradas por Pancho Villa trata este espectacular libro, tan lleno de fuerza visual como de sincero homenaje a un momento que cambió el curso de la historia, no se sabe si para bien o para mal, viendo el panorama actual del mundo y en particular el de México. Lo cierto es que los acontecimientos bélicos parecen marcar las fracturas históricas, los momentos en los que una sociedad puede pasar de un estado social a otro (lástima que la historia haya dejado tantas veces el modus vivendi de los más humildes de la sociedad en los rincones más ocultos de sus investigaciones).

El texto está escrito por el asturiano Paco Ignacio Taibo II, articulista, sindicalista, creador y director hasta 2012 de la Semana Negra de Gijón, además de escritor de novela policíaca y experto en la cultura mexicana. Frases cortas, resumidas, a modo de cómic, que intensifican la dramática acción bélica que narra. Y, como acercándose precisamente a la narración gráfica, el dibujo de Eko (Héctor de la Garza Batorzki) toma todo el protagonismo, en espectaculares páginas dobles en blanco y negro. Con trazos gruesos, como de pirograbado, que recuerda al expresionismo alemán, a las gráficas socialistas de la publicación New Masses y a las del Taller de Gráfica Popular mexicano, así como a la cultura visual de las calaveras mexicanas.
Un ejercicio visual fabuloso con más de 300 páginas que se disfruta tanto por la historia narrada con economía de palabras como por las impactantes composiciones gráficas de Eko. Algunos de los hechos reflejados en el libro no se ajustan exactamente a la historia real, como el hecho de que el periodista John Reed (1887-1920), que acompaña a Villa, no estuvo realmente en el acontecimiento bélico, aunque nada de todo eso altera la fantástica narración visual que nos proponen los autores.
Puedes ver un adelanto pinchando aquí.

Javier Herrero

Quinta Prende

Quinta prende
Exposición colectiva
Quinta del Sordo (C/ Rosario, 17. Madrid)
Del 20 al 23 de junio de 2013

Con motivo de las fiestas y hogueras de San Juan, el Centro Creativo Quinta del Sordo ha organizado una exposición colectiva de artistas emergentes que ha titulado Quinta Prende.
Artistas con muy diferentes técnicas y estilos que quieren dar muestra de que, pese a las crisis y los desconsuelos, la creatividad sigue bullendo en nuestras ciudades: Anna Mezz, Fran Filigrana, Jesús Tejero, Alicia Juan Lobato, Bárbara Velasco, Berta Llonch, Javier Herrero, Raúl Prieto, Anora Ashurova, Carmen González, Patricia Soto, Lucía Duque, Roberto Guillén, Kilian Bermúdez y Javier Guerra expondrán fotografías, dibujos, collages, instalaciones, pintura mural...

Dentro de estos cuatro días de exposición se han organizado otros actos en paralelo, también muy sugerentes, como la proyección de cortometrajes con la presencia de sus directores, que harán una introducción a los mismos. Además, el centro ha propuesto una iniciativa realmente original: visitas guiadas de la exposición a cargo de La Cartela, especialistas en la presentación de exposiciones, que harán un recorrido por las mañanas dedicado especialmente al público más joven y otro por las tardes pensando en los adultos. Puedes apuntarte a uno de estos pases guiados para introducirte en la mirada de cada una de las distintas obras y de sus creadores en http://quintadelsordo.com.
La inauguraciónde este evento será hoy mismo a las 20:00h y contará con la presencia de los artistas. La Quinta Prende terminará justo el domingo 23, a tiempo para saltar en las famosas hogueras de San Juan que se hacen en el parque de la Cornisa, que está justo enfrente de la Quinta del Sordo. Para concluir la celebración de clausura, a las 21:00 h del domingo se celebrará un concierto de coro de cámara.
El Centro Creativo Quinta del Sordo, operativo desde primeros de mayo de este año, es una plataforma de art-working de creación multidisciplinar, dedicada a impulsar y apoyar a los artistas y creadores emergentes tanto nacionales como internacionales. Con un enfoque hacia el arte emergente, se apoya en espacios para la Creación en sus diferentes disciplinas artes plásticas, escultura, arquitectura y diseño gráfico, grabado, fotografía, cine, artes escénicas, danza, música, etc. También dedica sus espacios a la Formación, con la organización de aulas y talleres con clases especializadas en esas disciplinas. Sin olvidar la Difusión, con la organización de diferentes eventos como exposiciones, representaciones, conciertos, debates y otras actividades.
Toda la información de programas de eventos y actividades que celebrarán en el centro, así como las posibilidades de participar y hacerse socio de la Quita del Sordo puedes encontrarlas pinchando aquí.
También puedes seguir sus actividades a través de Facebook, pinchando aquí.

J.H.

Alfonso

Visita de Alfonso XIII a las Hurdes. Junio 1922 

Alfonso
Obras maestras
La Fábrica, 2012

Es importante no perder la memoria para no caer en los mismos errores (trágicos, muchos de ellos) que nos han hecho sufrir en el pasado. Desde su invención, la fotografía ha sido un aliado fiel (y cada vez más) para que los recuerdos permanezcan y se conviertan en un testimonio fidedigno del pasado que fue (y para que nunca regrese de la misma manera).

Verbena popular. Madrid, 1922

El fotoperiodismo ha sido además una importante herramienta para historiadores e investigadores, para denunciar abusos y para fijar lo que es una sociedad en un momento determinado y que sus habitantes, su cultura, sus costumbres... no se pierdan en el olvido del tiempo.

Alfonso Sánchez García y sus hijos. 1925

En España, ha habido fotógrafos muy importantes que han asentado la vida real con su arte, su técnica y su habilidad para captar imágenes muchas veces insólitas y casi imposibles. Uno de los más importantes fue Alfonso Sánchez García (1880-1953), conocido profesionalmente como Alfonso. En realidad, su legado es el legado de una saga de fotógrafos, pues firmando con el mismo nombre, a este pionero del fotorreporterismo le siguieron tres de sus hijos, Alfonso, Luis y José. Juntos llevaron a cabo un ingente trabajo que documenta casi todo el siglo XX, desde que Alfonso padre se iniciara en la década de 1910 hasta finales de los años 80. Un legado de más de 116.000 negativos que son memoria impresa, vibrante y fiel de nuestra historia. Desde la Guerra de Marruecos (con un fantástico retrato a Abd-el-Krim) hasta imágenes de la vida durante el reinado de Alfonso XIII, el movimiento obrero de la Segunda República, la Guerra Civil... Todo trufado de estampas de la vida cotidiana y de algunos retratos de personalidades de la la vida cultural, política y militar de nuestro país a lo largo de tan largo período de tiempo (el espeluznante retrato de José Millán Astray en posición de firmes es impagable).

José Millán-Astray. 1935

Parece que en las fotografías de las batallas de la guerra, de los disturbios de las revueltas o. simplemente, de los acontecimientos populares o deportivos más comunes, el fotógrafo estuviese preparado para obtener toda la magia del instante en imágenes perfectas, como si estuviese todo planificado. Esa es precisamente la maestría de los grandes de la cámara que, como ahora, hace la foto casi sola, pero que necesita de un ojo, de una mirada de artista y de periodista para lograr la esencia del momento histórico o del suceso social o familiar que se está retratando. Por no hablar de los fantásticos retratos que en el famoso Estudio Alfonso de la Gran Vía madrileña (previamente en la calle Fuencarral y en la de Carretas) se hicieron de las personalidades más relevantes de un siglo tan castigado por las guerras y la falta de libertades.

Este libro, que recoge las mejores fotografías de la saga, ha sido comisariado y relatado por otro de los grandes fotógrafos españoles, Chema Conesa, y se convierte en una obra esencial, no solo de nuestra fotografía, sino de la fotografía periodística y social de todo el mundo. Además, contiene textos de los académicos Antonio Rodríguez de las Heras y Juan Miguel Sánchez Vigil, y del mismo Alfonso Sánchez Portela, Alfonsito (1902-1990), recuperando el discurso que nunca llegó a leer en su ingreso en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando en 1989. Una joya de libro, con una edición inmejorable de gran formato y un papel e impresión de gran calidad.

Javier Herrero

La cueva de los sueños olvidados

Werner Herzog
La cueva de los sueños olvidados
2010 (Wanda Visión / Cameo)

¿Qué reacción tendría si, al entrar a una cueva, me encontrara con una de las grandes obras maestras del arte de todos los tiempos? Probablemente sería un impacto tal que el corazón batiría fuertemente resonando entre los ecos de la caverna. Eso es lo que debieron sentir el trío de espeleólogos formado por Éliette Brunel-Deschamps, Christian Hillaire y Jean-Marie Chauvet, cuando el 18 de diciembre de 1994 entraron por primera vez en la Cueva de Chauvet, en el departamento de Ardèche del sur de Francia, entonces cegada desde tiempos inmemoriales por un derrumbe de rocas, lo que permitió la perfecta conservación de lo que encontraron en su interior.

El multidisciplinar director alemán Werner Herzog trata de llevarnos a sentir algo cercano a ese casi inimaginable sensación de los descubridores con su nuevo documental La cueva de los sueños olvidados que, ya solo con su elegante título, atrae de manera incontestable.
Se trata de un recorrido único, privilegiado y, muy probablemente, irrepetible por la Cueva de Chauvet, un refugio prehistórico lleno de dibujos fantásticos de animales que parecen haber brotado de la mano maestra de un genio. Unas obras visualmente contemporáneas, modernas y dotadas de una fuerza poderosa y enérgica, que tienen la friolera de 35.000 años, quizás las obras más antiguas conocidas surgidas de la mano del hombre. Bisontes, caballos, osos, monos, rinocerontes, elefantes, leones, hombres... todos dotados de un realismo extraordinario y de una soltura de trazo vibrante que parece dotarlos de vida.
A eso quiere acercarse Herzog en este documental filmado con técnicas avanzadas de 3D (se lanzan simultáneamente la versión 2D y 3D) para llegar al máximo entendimiento de cómo se comportaban, de cómo sentían, de cómo se relacionaban entre ellos y con el entorno aquellos seres que vivieron en una época fría, con glaciares y bosques infinitos, y que dejaron la primera huella consciente del paso de la humanidad por la tierra.
Una huella que parece tener mucho de espiritual, de comunicación entre el mundo y el más allá, lo que el realizador trata de plasmar en su película con una fuerte dosis de poética y de metafísica, en donde, más allá de la belleza de la obra retratada, se plantean preguntas, interrogantes eternos sobre el paso del tiempo y la huella que estamos dejando sobre la faz de la tierra.
Sin duda, Werner Herzog, autor de una obra de ficción exquisita, personal y profundamente heterodoxa, se está revelando desde hace tiempo como uno de los grandes documentalistas del cine contemporáneo, con obras como Mi enemigo íntimo (1999), La rueda del tiempo (2003) o Grizzly Man (2005).
Puedes ver el trailer de La cueva de los sueños olvidados pinchando aquí.

Javier Herrero

Los pasos dobles

Isaki Lacuesta
Los pasos dobles (incluye el documental El cuaderno de barro)
2 dvds + 1 cd con la BSO (2011) Cameo

A medio camino entre el documental y la ficción, en Los pasos dobles aparece la vida y la leyenda, los rituales y el arte se funden y se narra entre la fantasía y la realidad. El desierto y el sahel, los tuareg y los ganaderos peuls, los caminos interminables bajo el sol hiriente y las miradas desconcertadas de quienes nunca han visto el milagro de buscar lo escondido se cruzan de forma mágica en esta curiosa película que se nutre de la tradición oral de las culturas africanas.

Un joven soldado, Abdallah Chaamba, es condenado a una búsqueda infernal, a un vagar dantesco por el maremagnum de las arenas del desierto, y, como en una profecía inexcusable, transita por oasis, ríos, ciudades y santuarios para buscar aquellos muertos que no han muerto del todo, los que han dejado tras de sí un rastro, una marca que sirve para encontrar lo oculto por el paso del tiempo.

Una road-movie fantástica y mágica que transita por la falla de Bandiagara, en el sureste de Mali, el lugar donde vive el intrigante y fascinante pueblo Dogón, y que tiene a muertos y vivos como protagonistas, con narraciones sobre antiguas obras que se funden con las que realiza hoy el artista español Miquel Barceló, partícipe especial de esta película. Un artista que vive y trabaja en un paraje difícil, seco, áspero, pero maravilloso, donde la pintura se deteriora como la piel, donde la aridez orada hasta los recuerdos convirtiéndolos en leyendas. Entre profecías y tesoros escondidos, entre narraciones y arte, el realizador Isaki Lacuesta elabora una extraña cinta que se inunda de la mística africana y que sirve para buscar los pasos de François Augiéras (1925-1971), un curioso personaje francés nacido en Estados Unidos que fue ladrón, legionario, pistolero, santo, diablo, pintor, escritor… que ocultó una gruta con sus obras en medio del desierto para que nadie pudiera encontrarla hasta que llegara el siglo XXI. Una peculiar capilla sixtina entre las arenas del Sáhara que atrapa a Barceló por su magia escondida en un mundo que él conoce bien y que le inspira para crear sus obras, ya sea cobre sus recuerdos o sus vivencias, ya sean ficticios o reales.
Un trabajo que confluye en la memoria y en lo efímero o eterno del arte y de la expresión plástica. O, al contrario, un ejercicio para crear expresividad con los elementos que circundan nuestras vidas, logrando que la arena, el sol, el rumor del viento y las palabras se conviertan en algo más perenne. Algo que contradiga a Heráclito cuando afirmaba que nunca podrás bañarte dos veces en el mismo río pues sus aguas siempre están en movimiento y por tanto nunca es el mismo río.

Una película, que recibió la Concha de Oro del Festival Internacional de Cine de San Sebastián, donde el arte y la necesidad de expresarse se despiertan con la intensidad de quien vive para crear y que, como colofón, se cierra con otro documental incluido en el pack: El cuaderno de barro, también dirigido por Isaki Lacuesta, en el que describe el proceso creativo de Barceló. En esta cinta puede verse una extraña representación artística en un espacio muy singular. Miquel Barceló y el coreógrafo de origen yugoeslavo Josef Nadj crean una performance artística en la que ambos artistas se transforman en elementos vivos de la misma obra en la que trabajan, se convierten en barro, en pinceles humanos y en escoplos latientes que modelan la materia en directo frente a una audiencia muy poco común: los mismos habitantes de las poblaciones cercanas al lugar donde vive y trabaja el pintor mallorquín en el país Dogón, en Mali. Podemos, además, asomarnos impúdicamente a algunos procesos creativos de Barceló y asistir a algunas de sus sesiones de trabajo con sus colaboradores africanos. Un documento que supone un estímulo visual que transmite la intensa y viva energía creativa de quien, sin ninguna duda, es el artista español vivo más universal y conocido de la actualidad.
El pack incluye también un cd con la banda sonora original de Los pasos dobles, compuesta por Gerard Gil, y varios extras en los dvds, entre los que hay cinco cortometrajes de Isaki Lacuesta.
Puedes ver el trailer de Los pasos dobles pinchando aquí.

Javier Herrero

One name army

Neko
One name army
iam Gallery Madrid (Calle San Blas, 4)
Entre el 7 de julio y el 4 de agosto de 2012

La primera pregunta que se hace uno al llegar a este espacio cultural del centro de Madrid es lo que el mismo artista se plantea junto a la puerta: ¿qué hace un artista urbano, un grafitero, exponiendo en una galería de arte? ¿Puede alguien que se dedica a provocar las conciencias desde la creación más combativa rayando la ilegalidad hacer que sus obras se serenen en las paredes conservadoras de los círculos oficiales?

Los de iam Gallery Madrid parece que también se plantearon estas cuestiones y, precisamente por eso y por el espíritu transgresor que alienta a la misma galería, decidieron planificar la muestra del escurridizo Neko como un lugar en el que el autor se exprese como a él le gusta. Es decir, eludiendo su propia identidad, jugando con el visitante que observa las obras, escondiendo algunas piezas para que el espectador tenga que curiosear por ellas, trabajando muy bien esa ambiguedad en las propuestas que, como a Neko le gusta, sirve al autor para poner en evidencia algunos de los males y carencias de nuestra sociedad que quiere denunciar con su obra.

También, para la inauguración, la música se hizo presente y la galería se transformó en algo más que un espacio de arte. Quiso ser un lugar de comunicación y de sugerencias, tanto por las obras como por los mensajes que transmiten para que los mismos visitantes sean partícipes de ellas.

Además, esta exposición sirve para la presentación de un libro que recorre la vida y obra de este autor callejero tan escurridizo como una lagartija que va dejando sus colas llenas de imaginación y mensajes en las paredes de nuestras ciudades. Y claro, en el contexto en el que estamos, el libro no apareció a la vista, sino que se mantuvo oculto en el interior de un sobre Top Secret para, nuevamente, jugar con los malentendidos y equívocos que provoca la cultura oficial en el terreno de la cultura alternativa. El periódico El País nombró a Neko como uno de los personajes más influyentes de la cultura nacional de 2012, lo que viene a reflejar que las acciones ciudadanas están calando cada vez más hondo en el sentimiento plástico y la evolución artística de nuestra sociedad, aunque, como no puede ser de otra manera, Neko was here no va a dejarse cazar por el sistema oficial artístico para no perder la capacidad de sorprender desde plataformas ajenas a ese sistema pero más cercanas al ciudadano y a sus problemas cotidianos.
Puedes ver el vídeo de presentación de One name army,
realizado por Bandiz Films, pinchando aquí.

Javier Herrero

Pentagonía

Jack Mircala
Pentagonía
(Ediciones Sins Entido, 2012)

A Jack Mircala le inquietan las mujeres. Orbitan a su alrededor como fantasmas de un mundo oscuro y tenebroso, pero atractivo y delirante. Se le aparecen en sueños llenos de poesía en los que la imaginación parece habitar en dimensiones paralelas. Si su muy recomendable trabajo titulado Siniestra amadas (Sin Entido, 2009) era un homenaje a las mujeres melancólicas, fatalistas y enamoradas hasta el límite de la vida que poblaron los textos de Edgar Allan Poe, o su premiado Eclipse en Malasaña (Sin Entido, 2010) se convertía en una zarzuela negra, en su nuevo libro, Pentagonía, vuelven a aparecer mujeres pasionales, martirizantes, que parecen surgir de las entrañas de la tierra de los cementerios. Cinco mujeres que conforman un pentágono de emociones, cada una en uno de sus vértices, Esquirla, Vulpécula, Deletérea, Anemia y Cianótica, que inflingen a sus amantes el dolor de sus pasiones tal y como ellas las entienden.

En esta ocasión, Mircala ilustra sus propios textos, intrigantes, lógrebos que son, como él mismo apunta en el epílogo, “un cúmulo de ensueños despeñados en el precipicio de la caástrofe que en ningún caso resultan razonables, pues no es la razón guía de este descomunal trampantojo, y carga, acaso, con el estigma del término visión en su más espeluznante acepción”.
Porque son precismente las visiones lo que más caracteriza a Jack Mircala, sus imágenes, sus ilustraciones, si es que así pueden denominarse. Partiendo de escenografías y personajes creados con papeles recortados, Mircala ilumina sus visiones, las fotografía, las retoca... y consigue imágenes deslumbrantes de color, de emociones, con un aire de expresionismo colorista o de personajes animados a lo Tim Burton. Son ilustraciones fascinantes que parecen imposibles, delicadas, perfeccionistas... Un mundo lleno de imaginación, oscuridad y tinieblas que se vuelve imaginería llena de creatividad.

Javier Herrero

Ernst Ludwig Kirchner

Autorretrato (1915)

Ernst Ludwig Kirchner

Fundación Mapfre. Salas Recoletos. Paso de Recoletos, 23. Madrid.
Desde el 26 de mayo al 2 de septiembre de 2012

La Fundación Mapfre se luce esta temporada con la primera exposición de uno de los artistas más importantes del arte europeo del siglo XX, autor de una obra inmensa, con cerca de 1.400 óleos, más de 20.000 dibujos y acurelas, 2.100 grabados, 150 esculturas, 1.500 fotografías y muchos trabajos textiles. El alemán Ernst Ludwig Kirchner (1880-1938) formó parte del grupo de artistas Die Brücke (El Puente), fundado en 1905 junto a Erich Heckel (1883-1970), Fritz Bleyl (1880-1966) y Karl Schmidt-Rottluff (1884-1976), los cuatro estudiantes de la Escuela técnica superior de Dresde y al que en 1906 se suman  Max Hermann Pechstein (1881-1955) y Emil Nolde (1867-1956) y en 1910 Otto Müller (1874-1930). Juntos revolucionaron la pictura con unas bases estéticas asentadas en el Expresionismo y que abogaba por la expresión mediante colores planos y puros inspirados en el Primitivismo y el Fauvismo francés.

Cocotte con sombreto emplumado (1910)

El trabajo de Kirchner está cargado de una fuerza expresiva incuestionable otorgándole al color un carácter inquietante, violento, antinatural, recomponiendo las perspectivas e investigando cada imagen en multitud de técnicas. Sus estudios de arquitectura ayudaron también a presentar sus obras urbanas con una mirada muy subjetiva e irreal, descomponiendo la complejidad en formas mucho más simples llenas de color. Aunque fue la figura humana y el retrato lo que marcó sobre todo la temática tanto de su obra como la del resto de Die Brücke.

Grandes amantes (Mr. y Mrs. Hembus) (1917)

No obstante, el éxito de que gozó en su primera época se entrecruzó con el agotamiento por el exceso de trabajo y una vida poco regular con gran consumo de drogas y, durante la Primera Guerra Mundial sufrió una grave crisis nerviosa que infuyó decisivamente en su estabilidad mental, que ya no recuperaría durante el resto de su vida. Una vida en la que recorrió sanatorios en Suiza y Alemania y que halló un cierto sosiego en Davos, una población de los Alpes suizos en donde su espíritu se relajó y en donde experimentó pictóricamente con los paisajes, los lugareños y las luces limpias de la montaña.
Sin embargo, su técnica no dejó de evolucionar en ningún momento y ese sosiego anímico le llevó a simplificar las pinceladas, a desarrollar figuras más planas y sencillas como grandes masas de color yuxtapuestas, en lo que se ha denominado estilo tapiz. Su lenguaje plástico va abstrayéndose, descomponiendo las figuras, acercándose a la obra de Picasso, Léger o Le Corbusier, de la que era gran conocedor y admirador, aunque siempre mantuvo la figuración como elemento clave de su obra.
También la fotografía fue una de sus pasiones creativas y muchas de las que realizó sirvieron de motivo para posteriores dibujos, grabados o pinturas.

Retrato de Franzi Fehrmann (1910)

Con el ascenso del nazismo y la promulgación de Arte degenerado, muchas de sus obras fueron retiradas de los museos y el propio Kirchner expulsado de la Academia de las Artes prusiana de la que era miembro. El miedo a una invasión nazi de Suiza llevó al artista a destruir parte de su obra y, posteriormente, a suicidarse el 13 de junio de 1938, en la ciudad de Davos donde vivía, que fue su refugio creativo y es cuyo cementerio se encuentra enterrado.
Una gran oportunidad para asombrarse con la fuerza expresiva que recorrió las décadas más inquietantes del primer tercio del pasado siglo a través de una de sus figuras artísticas más importantes, aunque no tan conocida para el gran público.
Puedes hacer una visita virtual a la exposición pinchando aquí.
Puedes ver una galería de imágenes con la obra de Kirchner
en la enciclopedia visual online Wikipaintings pinchando aquí.

Javier Herrero

Ana Juan

Ana Juan

Aprovechando que la ilustradora Ana Juan ha pasado por la Feria del Libro de Madrid para dibujar una dedicatoria a muchos de sus fans, recopilo algunas de las reseñas de sus libros ilustrados que han ido apareciendo en El Periódico de la Publicidad y que no por no ser absolutas novedades dejan de ser interesantes para cualquier aficionado a la gran ilustración. Ana Juan es una de las ilustradoras más importantes de nuestro país y cuenta en su ya larga carrera con títulos imprescindibles como Snowhite (De Ponent, 2001), Frida (Alfaguara, 2003) o Elenita (Kókinos, 2006). Ha dibujado portadas para libros, discos y sus ilustraciones han aparecido en multitud de publicaciones, entre las que se encuentran muchas portadas del The New Yorker.

Javier Herrero

Nathaniel Hawthorne / Ana Juan
Wakefield
Nórdica Libros, 2011

Me ha atrapado sin remedio. Por la bonita edición, por el texto sorprendente y por las magníficas ilustraciones. Nórdica Libros ha editado un librito delicado y apacible, con el texto en español e inglés. Ana Juan ha puesto su arte para dar forma de imágenes a la narración. Nathaniel Hawthorne (1804-1864) es­cribió Twice-Told Tales en 1837, una colección de cuentos que contenía esta maravilla del relato corto: Wakefield. El escritor estadounidense (autor de la famosa novela La letra escarlata) rompió los cánones del puritanismo reinante en su país y sus propios fantasmas (era descendiente de uno de los que partiparon en el ajusticiamiento de las Brujas de Salem) con una serie de narraciones en las que la fantasía servía de análisis de los comportamientos humanos.
El de Wakefield no puede ser más insólito: “Recuerdo haber leído en alguna revista o periódico viejo la historia, relatada como verdadera, de un hombre -llamémoslo Wakefield- que abandonó a su mujer durante un largo tiempo”. Hecho común de no ser porque este personaje se marcha a vivir a dos calles de su domicilio original y durante 20 años no da señales de vida y permanece expectante a los resultados de su propia decisión y la posible reacción de su esposa. Es como un ensayo sobre la abulia en las relaciones narrada de forma maravillosa. Como maravillosas son las ilustraciones realizadas por Ana Juan para esta edición.
La ilustradora, Premio Nacional de Ilustración 2010, se nutre de la delicada narración de Hawthorne para crear otra serie delicada y hermosa, sensible e imaginativa, realizada en lápices y con tonos tan oscuros como la aparente sinrazón del comportamiento del protagonista del relato.
Puedes ver el book-trailer de este libro pinchando aquí.


Ana Juan
Demeter
Edicions De Ponent, 2007

Con su estilo más oscuro, Ana Juan publica un bellísimo libro con el que inaugura la colección El cuarto oscuro, con la que la editorial Edicions De Ponent quiere ofrecer otra mirada sobre textos famosos de la literatura de terror. Ana Juan ha tomado en sus manos un episodio aparentemente menor de la novela Drácula de Bram Stoker, aunque en sus manos de ilustradora se convierte en una inquietante historia llena de miedos, de zozobras, de angustias y de te­rror. Se trata del viaje que hace el barco Demeter para transportar al conde Drácula enterrado en su sarcófago desde Rumanía a las costas de Inglaterra. El cuaderno de bitácora del capitán del barco va desgranando la pesadilla como si fuera el centro del Mal que va comiendo la integridad psíquica y física de la tripulación. Las ilustraciones en blanco y negro de Ana Juan transmiten el pavor que pudieron sentir los que tuvieron la desdicha de navegar en el Demeter.
Puedes ver el book-trailer de este libro pinchando aquí.


Campbell Geeslin / Ana Juan
Elenita
Kókinos, 2006

Un cuento mágico, delicado y suave como un sueño. Un cuento en el que los sueños son los protagonistas, los de la niña Elenita y los de los cristales que produce con su soplo musical. La escritora de teatro Campbel Geeslin es también una famosa autora de cuentos infantiles. En esta ocasión recurre a una trama muy habitual: la de una niña que quiere cumplir un sueño y descubre la magia de la música para llevarlo a cabo. Sin embargo, el cuento –que es bonito en sí– es secundario ante las magníficas imágenes de una de las ilustradoras y artistas gráficas más importantes de nuestro país: Ana Juan. Su imaginación para crear paisajes de ensueño, para que los personajes cobren vida en nuestros corazones es impresionante una vez más. La pequeña Elenita está dibujada con los trazos de la elegancia, en composiciones que hacen de la naturaleza una rica expresión gráfica para disfrutar. Trazos que hacen del libro de esta jovencita so­pladora de vidrio un objeto para conservar en lo más querido de nuestra biblioteca.


Ana Juan / Jonah Winter
Frida
Alfaguara Infantil, 2003

Más cercano al arte y dirigido a los niños, es la mul­tipremiada biografía que con la guionista Johan Winter ha realizado sobre la vida de la pintora mexicana Frida Kahlo. Una incursión en el surrealista y colorista mundo de la artista con unas imágenes que se convierten en sí mismas en verdaderas obras de arte, rebosantes de imaginación y con una delicadeza poética que emociona por su sensibilidad. Ideal para atrapar la atención de los niños y mostrarles que el arte puede ser vida. Ana Juan logra que sus imágenes se zambullan en el universo plástico que fue catalizador de los traumas, de los dolores y de las esperanzas da la gran y seductora pintora.
Puedes ver un video-collage realizado por Mercedes García Bravo
sobre el libro Frida pinchando aquí.


Ana Juan
Snowhite
Edicions de Ponent, 2001

En Snowhite, Ana Juan recrea de forma tenebrosa el famoso cuento de Blancanieves, con ilustraciones en blanco y negro que le dan una nueva lectura al cuento infantil alejándose de la visión empalagosa a la que estábamos acostumbrados. Una ma­ravillosa sucesión de imágenes fantasmagóricas que deleitarán la sensibilidad del alma artística. Tanto con el color de otras obras como con el blanco y negro que ocupa este libro, Ana Juan se luce con sus imágnes a medio camino del sueño y de la ilustración antigua. Sus personajes parecen dulces, pero la expresividad que destilan en sus ojos está cargada de muchos matices. Posteriormente Ana Juan ha realizado La caja secreta de Snowhite, una serie en edición limitada de bocetos preparatorios de este libro tan seductor, con un facsimil del cuaderno de apuntes, un retrato en estampación digital y un pañuelo serigrafiado, todo ello dentro de una caja de madera serigrafiada y policromada a mano. Ha sido realizado en el taller Manolo Gordillo.
Puedes ver el book-trailer de La caja secreta de Snowhite pinchando aquí.