Sonatas para piano de Beethoven

Mascarilla de Beethoven. Último dibujo a pluma de Mariano Fortuny. 

Grabado original publicado en el Almanaque de la Ilustración en 1877

Ludwig van Beethoven / HJ Lim
Complete piano sonatas
Pack 8 cds (EMI Classics, 2012)

Un prodigio de técnica la que tiene esta jovencísima coreana llamada HJ Lim que, para su presentación en la discográfica EMI Classics se atreve a interpretar nada menos que las Sonatas completas para piano que compuso Ludwig van Beethoven (1770-1827). Un pack lleno de obras hermosísimas, interpretadas sobre el CFX Concert Grand Piano de Yamaha, que la pianista ha estudiado con profundidad, acercándose tanto a las partituras como a la figura del compositor a través de grabaciones pasadas, cartas y reflexiones de sus contemporáneos.

El conjunto de sonatas que compuso el genio alemán lo componen 32 obras que revolucionaron la técnica de la composición pianística, aunque en su momento no fueron muy interpretadas y solo fue cuando Franz Liszt (1811-1886) concosilidó el concepto de recital cuando se incluyeron definitivamente en el repertorio pianístico internacional. Fueron obras en las que Beethoven aplicó el ambiente generado por el concierto o la sinfonía a estas piezas para piano solo, otorgándolas una densidad y emoción sin igual hasta el momento.

Entre ellas hay piezas deslumbrantes, apasionadas y soñadoras, algunas de las cuales forman parte de la memoria colectiva musical de casi todo el mundo. No olvidemos que entre ellas están la famosísima Sonata para piano n.º 14, Claro de Luna, la tempestuosa Sonata para piano n.º 23, Apassionatta o la abstracta y lánguida Sonata para piano n.º 8 Patética, entre otras muchas de enorme belleza.
Con este pack pueden pasarse más de nueve horas volando por otros mundos en los que el tiempo, las bajas pasiones o las economías lacerantes de la actualidad no importan demasiado. Es música. Gran música.
Puedes ver la interpretación de HJ Lim del primer movimiento
Adagio sostenuto de Claro de Luna pinchando aquí.

Javier Herrero

Pentagonía

Jack Mircala
Pentagonía
(Ediciones Sins Entido, 2012)

A Jack Mircala le inquietan las mujeres. Orbitan a su alrededor como fantasmas de un mundo oscuro y tenebroso, pero atractivo y delirante. Se le aparecen en sueños llenos de poesía en los que la imaginación parece habitar en dimensiones paralelas. Si su muy recomendable trabajo titulado Siniestra amadas (Sin Entido, 2009) era un homenaje a las mujeres melancólicas, fatalistas y enamoradas hasta el límite de la vida que poblaron los textos de Edgar Allan Poe, o su premiado Eclipse en Malasaña (Sin Entido, 2010) se convertía en una zarzuela negra, en su nuevo libro, Pentagonía, vuelven a aparecer mujeres pasionales, martirizantes, que parecen surgir de las entrañas de la tierra de los cementerios. Cinco mujeres que conforman un pentágono de emociones, cada una en uno de sus vértices, Esquirla, Vulpécula, Deletérea, Anemia y Cianótica, que inflingen a sus amantes el dolor de sus pasiones tal y como ellas las entienden.

En esta ocasión, Mircala ilustra sus propios textos, intrigantes, lógrebos que son, como él mismo apunta en el epílogo, “un cúmulo de ensueños despeñados en el precipicio de la caástrofe que en ningún caso resultan razonables, pues no es la razón guía de este descomunal trampantojo, y carga, acaso, con el estigma del término visión en su más espeluznante acepción”.
Porque son precismente las visiones lo que más caracteriza a Jack Mircala, sus imágenes, sus ilustraciones, si es que así pueden denominarse. Partiendo de escenografías y personajes creados con papeles recortados, Mircala ilumina sus visiones, las fotografía, las retoca... y consigue imágenes deslumbrantes de color, de emociones, con un aire de expresionismo colorista o de personajes animados a lo Tim Burton. Son ilustraciones fascinantes que parecen imposibles, delicadas, perfeccionistas... Un mundo lleno de imaginación, oscuridad y tinieblas que se vuelve imaginería llena de creatividad.

Javier Herrero

Sonidos 14

Ana Alcaide
La cantiga del fuego
(Autoproducido, 2012)

La compositora e intérprete toledana Ana Alcaide sigue investigando la tradición cultural musical de nuestros ancestros y en su nuevo disco la lleva a composiciones propias basadas en los sonidos sefardíes. Inspirándose en leyendas, poesías, coplas y canciones tradicionales, pone su sabiduría al servicio de la recuperación de la belleza con canciones dulces, enamoradas y llenas de sueños, en las que los judeocristianos se declaran palabras de cariño y se desgarran por la separación que el destierro les deparó tras la conquista castellana de aquellas tierras eclécticas y cosmopolitas.
Se hace acopañar de un extenso grupo de músicos excelentes, entre los que se encuentran habituales colaboradores suyos como Bill Cooley (salterio, ud, santur, laud, tar, pandero, cántara) y Jaime Muñoz (clarinete, ney, kaval, gaida, gaita, tamboril, furulya, acordeón). Dimitri Psonis interpreta la lyra griega y el israelí Ido Segal la hansa veena, una especie de sitar. Un viaje por el mundo de los sonidos mediterráneos que, partiendo de tierras españolas, recorrieron sus aguas hasta desembocar en el lejano oriente donde aún se aprecian ecos de aquellos cantares.
Puedes ver la presentación de La cantiga del fuego
con explicaciones de la propia artista pinchando aquí.

Javier Herrero

Al Andaluz Project 
Live in München 2011
cd + dvd (Galileo MC, 2012)

En su empeño por unir la música de las culturas cristiana, judía y musulmana, que es como decir la centroeuropea, la sefardí y la andalusí, los grupos L’Ham De Foc (España) y Estampie (Alemania) unieron esfuerzos, con la dirección musical del multiinstrumentista alemán Michael Popp, para crear en 1998 Al Andaluz Project, un projecto conjunto que recorre los sonidos que hacen características cada una de las tradiciones y lograron con ello un nuevo concepto de World Music, en el que las fronteras entre estilos parecen tan diluidas que todos parecemos proceder del mismo origen: el de la cultura y la música que aúna espíritus.
Hoy siguen en activo recorriendo el mundo, aunque con nuevas incorporaciones, como Sigrid Hausen con su flauta y voz; la vocalista de Tetuán (Marruecos) Iman Kandoussi; el intérprete de Qanun procedente de Marraquech (Marruecos) Aziz Samsaoui; Jota Martínez, ejecutando con maestría la zamfona, la cítola y el latva; o los percusionistas Johann Bengen (que fue miembro del Tölzer Knabenchor, el Coro de Niño de Tölz) y Jürgen Schneider, especialista en el gamelán indonesio. La muestra de su poderío sobre los escenarios es la grabación de este concierto en vivo que efectuaron en el Reithalle München el 21 de enero de 2011. Grabación del sonido en cd y en vídeo en el dvd que se incluye en el pack. Muy estimulante para el verano.
Puedes ver el fragmento en el que interpretan Morena pinchando aquí.

J.H.

Juan Perro
Río negro 
(La Huella Sonora, 2011)

Juan Perro, el alias con que Santiago Auserón dedicó su creatividad tras la absorbente y explosiva experiencia de Radio Futura tiene ya un largo recorrido, desde que en 1995 presentara su primer disco Raíces al viento (BMG/Ariola). Han pasado ya más de dos décadas y su imaginación para contarnos aconteceres de nuestra vida cotidiana, de nuestro entorno más cercano sigue fresca y productiva. Si lo de Radio Futura fue pop alocado y juguetón que derivó en un acercamiento a los sones tradicionales, fue ese final lo que sirvió a Juan Perro para inicar su andadura creativa. El último trabajo presentado, Río negro, está lleno de aventuras en el proceloso mundo de la vida real. Hay lamentos y sueños, forasteros de paso, voces de ánimo, naves interestelares y un canto a Malasaña, el barrio donde fluyó la vida de Auserón como un río (lleno de colores, que no negro), en este quinto álbum de estudio donde, como un tapiz estampado con formas imaginativas, se acrisolan vivencias a ritmo de pop-rock dulce y con cadencia de la música popular.
Puedes ver la actuación de Juan Perro en el programa
de Buenafuente, donde interpretaron Reina Zulú, pinchando aquí.

J.H.

Ernst Ludwig Kirchner

Autorretrato (1915)

Ernst Ludwig Kirchner

Fundación Mapfre. Salas Recoletos. Paso de Recoletos, 23. Madrid.
Desde el 26 de mayo al 2 de septiembre de 2012

La Fundación Mapfre se luce esta temporada con la primera exposición de uno de los artistas más importantes del arte europeo del siglo XX, autor de una obra inmensa, con cerca de 1.400 óleos, más de 20.000 dibujos y acurelas, 2.100 grabados, 150 esculturas, 1.500 fotografías y muchos trabajos textiles. El alemán Ernst Ludwig Kirchner (1880-1938) formó parte del grupo de artistas Die Brücke (El Puente), fundado en 1905 junto a Erich Heckel (1883-1970), Fritz Bleyl (1880-1966) y Karl Schmidt-Rottluff (1884-1976), los cuatro estudiantes de la Escuela técnica superior de Dresde y al que en 1906 se suman  Max Hermann Pechstein (1881-1955) y Emil Nolde (1867-1956) y en 1910 Otto Müller (1874-1930). Juntos revolucionaron la pictura con unas bases estéticas asentadas en el Expresionismo y que abogaba por la expresión mediante colores planos y puros inspirados en el Primitivismo y el Fauvismo francés.

Cocotte con sombreto emplumado (1910)

El trabajo de Kirchner está cargado de una fuerza expresiva incuestionable otorgándole al color un carácter inquietante, violento, antinatural, recomponiendo las perspectivas e investigando cada imagen en multitud de técnicas. Sus estudios de arquitectura ayudaron también a presentar sus obras urbanas con una mirada muy subjetiva e irreal, descomponiendo la complejidad en formas mucho más simples llenas de color. Aunque fue la figura humana y el retrato lo que marcó sobre todo la temática tanto de su obra como la del resto de Die Brücke.

Grandes amantes (Mr. y Mrs. Hembus) (1917)

No obstante, el éxito de que gozó en su primera época se entrecruzó con el agotamiento por el exceso de trabajo y una vida poco regular con gran consumo de drogas y, durante la Primera Guerra Mundial sufrió una grave crisis nerviosa que infuyó decisivamente en su estabilidad mental, que ya no recuperaría durante el resto de su vida. Una vida en la que recorrió sanatorios en Suiza y Alemania y que halló un cierto sosiego en Davos, una población de los Alpes suizos en donde su espíritu se relajó y en donde experimentó pictóricamente con los paisajes, los lugareños y las luces limpias de la montaña.
Sin embargo, su técnica no dejó de evolucionar en ningún momento y ese sosiego anímico le llevó a simplificar las pinceladas, a desarrollar figuras más planas y sencillas como grandes masas de color yuxtapuestas, en lo que se ha denominado estilo tapiz. Su lenguaje plástico va abstrayéndose, descomponiendo las figuras, acercándose a la obra de Picasso, Léger o Le Corbusier, de la que era gran conocedor y admirador, aunque siempre mantuvo la figuración como elemento clave de su obra.
También la fotografía fue una de sus pasiones creativas y muchas de las que realizó sirvieron de motivo para posteriores dibujos, grabados o pinturas.

Retrato de Franzi Fehrmann (1910)

Con el ascenso del nazismo y la promulgación de Arte degenerado, muchas de sus obras fueron retiradas de los museos y el propio Kirchner expulsado de la Academia de las Artes prusiana de la que era miembro. El miedo a una invasión nazi de Suiza llevó al artista a destruir parte de su obra y, posteriormente, a suicidarse el 13 de junio de 1938, en la ciudad de Davos donde vivía, que fue su refugio creativo y es cuyo cementerio se encuentra enterrado.
Una gran oportunidad para asombrarse con la fuerza expresiva que recorrió las décadas más inquietantes del primer tercio del pasado siglo a través de una de sus figuras artísticas más importantes, aunque no tan conocida para el gran público.
Puedes hacer una visita virtual a la exposición pinchando aquí.
Puedes ver una galería de imágenes con la obra de Kirchner
en la enciclopedia visual online Wikipaintings pinchando aquí.

Javier Herrero

Jazz clásico y moderno

Jazz Clásico y Moderno

Dos libros que se complementan y que nos orientan. Dos guías prácticas para orientarnos por el mundo de uno de los más versátiles, inquietos y creativos géneros del mundo de la música: el jazz. Una música que nació de los cantos de los esclavos negros en tierras americanas y ha realizado tantos viajes de ida y vuelta entre Europa, África y América y, posteriormente, el resto de continentes, que se ha agigantado en cuanto a influencias, tendencias, estilos... Dos libros que nos hablan de la historia del jazz a través de sus protagonistas más importantes. Como siempre en ese tipo de obras faltan nombres, pero están los esenciales para comprender el recorrido de una música que comenzó esclavizada y se convirtió en poco más de un siglo en un género que llena las más prestigiosas salas del mundo y arrastra millones de fans a sus conciertos.

Josep Ramón Jové, Javier de Castro
Guía Universal del Jazz Clásico 
(Ma Non Troppo, 2012)

Como es natural, para escuchar con perspectiva la música de hoy día, es muy útil conocer aquellos que sentaron las bases de ella en el pasado. Evidentemente, los análisis pormenorizados llegan hasta los cantos primitivos que originaron el jazz, pero es desde la posibilidad de dejar grabaciones de la música desde cuando se inicia el protagonismo de los artistas a la hora de configurar el género. Desde los creadores del estilo ragtime, una de las primeras derivaciones documentadas de la tradición africana que siguieron los negros en el nuevo continente, hasta los estilos que surgieron en los difíciles tiempos de la Segunda Guerra Mundial, con grandes bandas, estraordinarios directores e instrumentistas y mucho, mucho swing. El productor y promotor musical Josep Ramón Jové y el historiador y periodista musical Javier de Castro han realizado la primera guía que se escribe de este estilo en nuestro país y, como no podía ser de otra manera, incluyen una addenda sobre los orígenes del jazz en España además de una guía de los festivales de jazz más importantes. Si algo le echo de menos a este diccionario de nombres y protagonistas es una, aunque fuera breve, descripción de los estilos del jazz a lo largo de la historia, que se quedan demasiado resumidos en la breve descripción que de ellos hacen en el glosario de términos. En cualquier caso, una obra magnífica para atreverse a recorrer un mundo musical lleno de grandes nombres.

Juan Giner, Enric Vázquez, Joan Sardá
Guía universal del Jazz Moderno 
(Ma Non Troppo, 2006)

El perfecto complemento al libro anterior es este dedicado al jazz moderno y contemporáneo, también con el mismo estilo utilizando los nombres protagonistas para acercarnos a la vertiginosa diversificación que tuvo el género desde los años 50 del pasado siglo. Si el anterior libro recorría la primera mitad del siglo, este lo hace de la segunda para acercarse a lo que se está produciendo en la actualidad en esta música tan creativa. El escritor y crítico de cine y música de jazz Juan Giner, el catedrático de caminos y director del programa de jazz de la Universidad Politécnica de Barcelona Enric Vázquez, y el traductor y coordinador del Jubilee Jazz Club de Barcelona, Joan Sardá, han unido sus esfuerzos para realizar esta guía-diccionario del jazz moderno. Ilustrada con más de 160 fotografías y con más de 250 entradas biodiscográficas, la guía hace un recorrido por los compositores, los intérpretes y las obras más significativas de los artistas más destacados del jazz de hoy día, tanto de los consagrados como de las nuevas figuras que empiezan a despuntar en el panorama jazzístico actual. Como es obvio, no se olvidan de realizar una panorámica general del jazz en España bastante actualizada, en la que no faltan ni siquiera los novísimos nombres procedentes de escuelas como el Taller de Músics o que tocan en los locales más importantes del país. Además, cuenta con un glosario de términos especializados más amplio que el del jazz clásico y una guía de las discográficas del género.

Javier Herrero